Vanguardias Históricas: Pespectiva Social

Las vanguardias históricas interpretadas desde una perspectiva social toman como fuente de su estudio el contexto social para determinar la explicación de la obra, destacando el papel que juegan las ideologías de la época como rechazo o aceptación de la situación política del momento.

Para ilustrar esta explicación debemos partir del contexto histórico en el que se desarrollaron las vanguardias a comienzos del siglo XX, siendo su momento de auge en el periodo europeo de entreguerras. El comienzo del siglo XX supone un momento de ruptura con las tendencias artísticas desarrolladas en los siglos anteriores, ya que la sociedad contemporánea exigía del arte y de los artistas nuevos planteamientos, retos y formas de expresión que se correspondiesen con los nuevos tiempos.
En el género pictórico se desarrollarán diferentes estilos conocidos con el nombre de vanguardias o “ismos” que buscan romper con el figurativismo y las tendencias realistan características de siglos anteriores

Estas vanguardias nacen en un periodo turbulento en la historia de Europa, en un clima de crispación por los problemas coloniales y donde el rearme militar que se estaba produciendo en el viejo continente culminaría en la Gran Guerra. Muchos de estos artistas que vivieron aquellos acontecimientos eran conscientes de su papel en la historia por reflejar y marcar las atrocidades causadas por el conflicto bélico. El cubismo puede considerarse una de las primeras vanguardias creada a partir de la obra de Les demoiselles Avignon en 1906, y su objetivo es desdoblar el punto de vista del espectador presentando la realidad desde puntos de vista diferentes. El objetivo del movimiento es una crítica contra la irracionalidad latente que se vivía en la Europa del momento donde la razón no podía llegar a explicar la realidad. En Alemania surgió el movimiento expresionista antes de la Primera Guerra Mundial. Sus seguidores se mostraron comprometidos con la realidad social mediante la deformación intencionada del objeto artístico, y por procedimientos cercanos a la caricatura, éstos ponían de relieve los aspectos más rechazables de la sociedad: la guerra, la injusticia social, el mecanicismo, etc... Por el contrario el movimiento futurista, nacido en Italia en 1909, exaltaba la civilización mecánicas y las conquistas de la técnica. El dadaísmo es la exaltación de lo absurdo, la rebeldía contra la lógica y contra las convecciones estéticas y sociales y lo más importante, contra el sentido común. En el fondo, el dadaísmo es un ataque contra los valores de la razón, ya que ésta, ha conducido al hombre al absurdo de la guerra. Finalmente con el movimiento del surrealismo, que adoptó los postulados de las teorías del psicoanálisis freudiano, donde se abandona de forma definitiva la razón, y fue sobretodo tras la Segunda Guerra Mundial, con los consiguientes desastres ocasionados por la contienda, cuando se produjo una mayor aceptación del movimiento.

En definitiva, las vanguardias históricas sirvieron para rechazar los acontecimientos y las políticas desarrolladas en la época, al mismo tiempo que para ensalzar y admirar los progresos en el campo de la ciencia y de la técnica, entre otros.

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Descripción y Análisas de "La Danse" de Matisse

La ficha de autor elegida para el curso de 2ºde Bachillerato sería la siguiente:

FICHA DE AUTOR
- Pintor: H. Matisse.
- Título: La danse (1909)

DESCRIPCIÓN DEL ESTUDIO FÍSICO DE LA OBRA

- Materiales: lienzo.
- Técnica: óleo.

ANÁLISIS ARTÍSTICO

- Estilo: fauvismo.

Estudio iconográfico: La obra presenta a cinco personajes desnudos, cuyas manos se estrechan ofreciendo una perspectiva oval del conjunto. El espacio representado responde a la irrealidad y utopía de los paisajes, característica de las vanguardias de principios de siglo contra la figuración y la naturaleza propias de los precedentes periodos artísticos. Matisse utilizó el color, las líneas y el ritmo para conseguir la recreación de la libertad. Matisse recrea en clave de armonía cromática la huida de la sociedad burguesa a través nuevamente de la evasión en un estado natural del ser humano, y una vez más las líneas descritas por la danza son el medio expresivo más adecuado para ello. La danza es la representación del carácter espiritual, festivo y ritual

- Análisis plástico: La obra se distingue por la intensidad de los colores utilizados, siendo aplicados los colores primarios (rojo, azul ultramar, y verde esmeralda) directamente y sin mezclarlos con otras tonalidades, con el fin de hacer desaparecer la profundidad. El dibujo predomina sobre el color, marcando de forma precisa los contornos y las siluetas de los personajes representados, con el fin de eliminar la figuración y el objeto de la obra.

LA OBRA EN CUESTIÓN Y LA SITUACIÓN HISTÓRICO SOCIAL

La danse de H. Matisse pertenece al movimiento de vanguardias, también llamdo “ismos”, que se desarrolló en la primera mitad del siglo XX. Concretamente dicha obra pertenece al fauvismo, primer movimiento vanguardista, cuyo principal exponente fue H. Matisse, autor de la obra y creador del movimiento. El fauvismo, dentro de su situación histórico social, nace como reacción al impresionismo en pro del color y del objeto, que los pintores de fin de siglo habían reducido a tonalidades luminosas, en favor del color, cuya pasta se aplicaba directamente del tubo, sin alterarlo con mezclas en el pincel o la paleta. El fauvismo independiza el color del objeto, predominando el dibujo sobre el color. La luz desaparece, y con ella la profundidad, ya que los colores son planos, propendiendo, por tanto, al plano único.

El fauvismo tendrá una duración breve en las vanguardias de principios de siglo, siendo su étapa de auge entre 1905 y 1907.

DATOS COMPLEMENTARIOS

La bibliografía recomendada para el análisis de la obra es la siguiente:
- A. Fernández, E. Barnechea, J. Haro Historia del Arte, Madrid, Vicens-Vives, 1999.
- V. Essers, Matisse, París, 2003, Taschen.

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Significado y técnica de la Santísima Trinidad de Masaccio

Queridos lectores,

Esta tarde quería presentar una de esas obras que han hecho historia desde el punto de vista técnico y pictórico, y que nos revelen miles de significados desde sus perspectiva iconográfica.

La Santísima Trinidad es obra del genial Masaccio, fallecido desgraciadamente a la temprana edad de 27 años, habiendo podido quizá estar a la altura de uno de los grandes genios del Renacimiento.

Si prestamos atención a la obra, ésta está dividada en dos secciones muy marcadas. La escena inferior posee un sepulcro donde se ve claramente un esqueleto, símbolo de la fugacidad de la vida terrena y donde en caracteres latinos nos recuerda la siguiente sentencia "Fui lo que tú eres y lo que yo soy tú serás". En la escena superior aparece Dios Padre quien con su fortalece sostiene a Cristo y entre ambos se sitúa el Espíritu Santo, representación de la Trinidad. Los personajes a los pies de la cruz simbolizan a la Virgen y a San Juan, personajes típicos en la representación del Calvario. Finalmente en una escena próxima al espectador aparece la figura de los donantes, arrodillados, como símbolo, de alguna forma de perpetuidad terrenal y sumisión a la voluntad de Dios.

El espacio construído recreado por Masaccio, es de carácter ya quattrocentista, sirviéndose como modelo los arquetipos constructivos del glorioso y admirado pasado grecorromano; de alguna forma Masaccio pretenció realizar la comunión entre la importancia y la riqueza de la cultura clásica y los valores y creencias cristianos, ya que la obra es de carácter religioso. La novedad de la representación reside en someter la obra a las leyes de la perspectiva geométrica, ya que el espectadro cree encontrarse en un escenario que se desarrolla más allá de las limitaciones de la pared de la iglesia, siendo influído claramente por el arquitecto italiano Brunelleschi.

En definitiva, una obra que no carece de significados y que marcó el inicio de una nueva forma de pintar y representar la realidad.

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